Die Kulturwirtschaft und insbesondere Kulturunternehmen sind momentan in aller Munde. Die Gründer und Leiter von Kultureinrichtungen rechtfertigen sich vermehrt durch unternehmerische Erfolgsmaße wie Gewinn, Umsatz oder Beschäftigtenzahlen. Dabei stellt sich aber die Frage, welche Faktoren im Bereich der Kulturwirtschaft zu nachhaltigem Erfolg verhelfen? Der Autor arbeitet diese unternehmerischen Faktoren dezidiert heraus und belegt ihreErfolgswirkungen anhand empirischer Ergebnisse und gut aufbereiteter Fallstudien aus der Kulturpraxis. Das Buch ist damit zugleich als Lehrbuch für die immer zahlreicheren Studiengänge für Kulturmanagement und Kulturarbeit sowie als Ratgeber für Gründer und Leiter von Kulturbetrieben konzipiert.

Was verbindet Filmer und Architekten? Womit verdienen Journalisten und Musiker morgen ihr Geld? Welche Impulse setzen Künstler und Designer für Strukturwandel und Stadtentwicklung? Und welche Rolle spielt das für eine Stadt wie Bremen? Im jetzt erschienenen Buch KLUB ANALOG kommen die Akteure selbst zu Wort und schildern aus ihrer Sicht die Bedingungen und Perspektiven für kreatives Arbeiten in Bremen. Die beispielgebende Publikation wagt erstmals einen Blick hinter die Kulissen der bisher überwiegend statistisch betrachteten Branche der Kultur- und Kreativwirtschaft.

Das Zauberwort der Kultur- und Kreativwirtschaft weckt seit einigen Jahren viele Hoffnungen und Erwartungen für zukünftige Standortentwicklung und neue wirtschaftliche Perspektiven in sich wandelnden Märkten. Gefasst wird unter diesem Begriff ein heterogener und kleinteiliger Wirtschaftsbereich, der mit überwiegend kleinen Unternehmen und Einzelakteuren aus den verschiedensten kreativen Berufsfeldern in der Summe eine der größten und umsatzstärksten Branchen in Deutschland bildet. Zahlreiche Kulturwirtschaftsberichte aus Ländern und Kommunen versuchten bisher diese Branche statistisch zu erfassen, spezifische Arbeitsfelder einzugrenzen und quantitative Vergleichsdaten zu ermitteln.

Was bei diesen Untersuchungen jedoch oftmals in den Hintergrund tritt, sind die Akteure selbst, ihre besonderen Arbeitsweisen, Arbeitsbedingungen und ihre eigene Positionierung zwischen kreativ-schöpferischer Arbeit und wirtschaftlichem Handeln. Welches sind die Besonderheiten in den Feldern Design, Film, Architektur, Musik, Buch, Darstellende Kunst, Presse, Bildende Kunst, Rundfunk, Werbung und Software/Games? Wo und wie arbeiten die Akteure? Welche Motivationen und Ziele verbinden sie mit ihrer Arbeit? Und wie sehen sie selbst die Einordnung in den Bereich der Kreativwirtschaft und die damit verbundenen Erwartungen? Mit diesen Fragen haben sich im letzten Jahr in einer von der Wirtschaftsförderung Bremen unterstützten Veranstaltungsreihe zahlreiche Bremer Akteure aus allen kreativwirtschaftlichen Bereichen beschäftigt und sind miteinander ins Gespräch gekommen.

Das jetzt im Bremer Schünemann-Verlag erschienene Buch KLUB ANALOG greift Impulse aus der gleichnamigen Veranstaltungsreihe auf, stellt Querverbindungen her und bittet die Akteure kreativen Arbeitens selbst auf die Bühne. KLUB ANALOG nimmt den Leser mit auf einen Streifzug durch das Innere der Bremer Kultur- und Kreativwirtschaft. Elf Autoren und Autorenteams aus den verschiedenen Teilbranchen schildern in Essays, Geschichten und Interviews ihre Sicht auf die Bedingungen und Perspektiven für kreativwirtschaftliche Arbeitsfelder in Bremen. Entstanden ist eine ganz andere Art von Kulturwirtschaftsbericht geschrieben von den Kreativen selbst und interessant für alle, die sich mit dem Thema beschäftigen möchten. KLUB ANALOG ermöglicht lebendige Einsichten und Eindrücke aus erster Hand in ein ebenso spannendes, wie kaum erforschtes Arbeits- und Wirtschaftsfeld. Die außergewöhnliche Gestaltung und Ausstattung durch Designer aus dem Umfeld der Hochschule für Künste macht das Buch dabei selbst zu einem Aushängeschild kreativer Zusammenarbeit in Bremen. Produziert wurde das Buch im Auftrag der WFB. Der KLUB ANALOG wird in diesem Jahr als KLUB DIALOG mit neuen Veranstaltungen, Formaten und Ideen fortgeführt.

Diese Publikation dokumentiert die 5. Veranstaltungsreihe der, bereits seit 2004 jährlich überaus erfolgreich durchgeführten, HIE-RO Ringvorlesungen zu Unternehmertum und Regionalentwicklung und beschäftigt sich diesmal mit dem momentan sehr aktuellen Thema "Culture Entrepreneurship Der Künstler als Unternehmer".

Dem Leser werden in dieser Dokumentation verschiedenste Sichtweisen der sehr jungen, akademischen Disziplin des Culture Entrepreneurship, also der selbst-unternehmerischen Kultur- und Kreativwirtschaft, aufgezeigt. Hierbei liegt die Besonderheit dieses Buches darin, dass einerseits tief greifende und theoretisch-fundierte Beiträge sowie Forschungsstudien durch Wissenschaftler einen strukturierten und schematischen Einblick ermöglichen. Komplettiert werden diese dann andererseits durch Erfahrungsberichte von Kultur- und Kreativunternehme(r)n aus der Praxis, die die Stärken und Schwächen, aber auch die Chancen und Risiken ihrer kulturellen Unternehmungen innerhalb der Rahmenbedingungen Deutschlands schildern. Hierbei werden stets die Spannungsverhältnisse zwischen Kulturförderung und Freiberufl ichkeit sowie zwischen Mainstreaming und künstlerischer Individualität aufgezeigt, ganz im Sinne des Ansatzes: Die Kunst von Kunst zu leben!

Die Publikation kostet 19,80 Euro zuzüglich 3,90 Euro Versandkostenpauschale. Bestellungen können unter info@hie-ro.de vorgenommen werden.

Solo-Selbständige, Freischaffende, Freelancer, Alleindienstleister sind Vorboten eines umfassenden Strukturwandels der Wirtschaft. Sie repräsentieren den Arbeits- und Lebensstil der Zukunft. Einige Erwerbstätige machen sich selbständig, um dem Korsett der fordistischen Arbeitsorganisation zu entkommen andere müssen es, weil die klassische Festanstellung ein Auslaufmodell geworden ist.

Die Beiträge in diesem Buch werfen Schlaglichter auf wesentliche Transformationsprozesse der Arbeitsgesellschaft. Kompetenzfelder und Erwerbs- und Risikostrategien, Chancen und Risiken der Selbständigkeit, Erfahrungsberichte und Karrieren von Selbständigen kommen zur Sprache.

Die Publikation wendet sich in erster Linie an Mitglieder der Branchen, die in diesem Strukturwandel eine führende Rolle spielen: die Medien-, IT- und Kreativbranche. Doch handelt es sich hierbei keineswegs um exotische Nischen der Arbeitsgesellschaft, sondern um Vorreiter einer Entwicklung, die zunehmend zum Mainstream der Arbeitsgesellschaft wird. So ist die Publikation für alle interessant, die sich Gedanken darüber machen wollen, wie das Verhältnis zwischen Leben und Arbeiten neu zu bestimmen und zu organisieren ist.

Über die Herausgeber

Brigitte Liebig ist Professorin am Institut für Kooperationsforschung und -entwicklung an der Fachhochschule Nordwestschweiz.
Pietro Morandi ist Professor am Institute for Cultural Studies in the Arts an der Zürcher Hochschule der Künste.

Die Geschichte der Musik ist ohne die Mediengeschichte der Musik nicht denkbar, denn die Konservierung und Reproduktion von Musik war stets auf Medien angewiesen. Durch die Erfindung der Notenschrift und der technischen Aufzeichnung erfuhr die Musik über Schallplatte und Radio zu Anfang des 20. Jahrhunderts ihre massenmediale Verbreitung. Seither spielt die Musik in allen Medien in Film, Fernsehen, Zeitschriften, im Zeitungs-Feuilleton oder im Internet eine große Rolle und kann dort auf eine je spezifische Entwicklungsgeschichte verweisen. Audio-visuelle Medien wie das Fernsehen haben dabei andere Vermittlungs- und Darstellungsformen entwickelt als Printmedien wie Zeitung, Zeitschrift oder Plakat. Dieses Handbuch dokumentiert die Entwicklungsgeschichte der Musik in den verschiedenen Medien und nimmt neben der historischen auch technische, ökonomische, ästhetische, kulturelle und gesellschaftliche Perspektiven ein. Außer der Musik in den »traditionellen« Medien werden beispielsweise auch die Musik im Hörspiel, im Musiktheater, die Computermusik, die Geschichte der Plattencover und Konzertplakate, der Einfluss von Medien auf die Musikkomposition und -produktion oder Grenzen der medialen Vermittlung neuester Musikklangformen aufgearbeitet. Namhafte Autorinnen und Autoren aus der Medien-, Kommunikations-, Musik-, Literatur- und Kulturwissenschaft sowie Journalistik gewährleisten den interdisziplinären Charakter und Anspruch des Handbuchs, das Lehrenden und Studierenden dieser Disziplinen einen reichhaltigen Überblick über die Mediengeschichte der Musik verschafft.

Über den Autor

Holger Schramm ist Oberassistent am Institut für Publizistikwissenschaft und Medienforschung der Universität Zürich. Er studierte Medienmanagement und Musik in Hannover, Detmold und Austin/USA und promovierte über das Musikhören zur Regulation von Stimmungen. Diverse Publikationen im Bereich »Musik und Medien«.

Kunst, Kultur und kreative Köpfe erobern den wirtschaftlich-politischen Diskursraum: Von Creative Cities und Creative Entrepreneurs bis zur Kulturwirtschaft und zum Kunstsupermarkt bringen sie sich ein. Laila Huber bestimmt die Rolle von KünstlerInnen und KulturarbeiterInnen im gesellschaftlichen Wandel. Welche Möglichkeitsräume entstehen durch Kunstinterventionen? Wo findet Kunst als Gesellschaftskritik statt? Hat Kunst mit Sozialarbeit zu tun? Und mit welchen feldspezifischen Paradoxien sind die Kunstschaffenden konfrontiert? Beispielhaft stellt die Autorin sechs AkteurInnen und Projekte im österreichischen Kunst- und Kulturraum zwischen Linz, Graz und Wien vor. Die Fallstudien geben Aufschluss über spezifische Handlungsstrategien, -potenziale und -grenzen unter prekären Rahmenbedingungen.

Über die Autorin

Laila Huber, geb. 1980, studierte Kulturanthropologie und Kulturmanagement in Graz/Österreich und Neapel/Italien. Sie arbeitet seit mehreren Jahren in Kunst- und Kulturprojekten u. a. zu den Themen Kunst und Aktivismus, autonome Räume, Interkulturalität, Selbstorganisation und Partizipation.

Analysiert man die Entwicklung der Publikumszusammensetzung der klassischen Musik, so sind seit einigen Jahren zwei Trends dominant: Der Markt wird einerseits stetig älter und andererseits kleiner. Das Konzert hat als ästhetische und soziale Institution an Relevanz verloren.

Kann dem mit veränderten Darbietungsformen entgegengesteuert werden? Der Band vereint unter dem Stichwort der »Aufführungskultur« Beiträge von Experten aus Wissenschaft und Praxis. Vorgestellt werden Konzepte, mit denen die Kunstform Konzert wieder an Attraktivität gewinnen kann.
Der Band richtet sich an Musiker, Orchester, Konzerthäuser und Festivals.

Was kommt nach dem Studium? Welche Möglichkeiten habe ich? Dies sind Fragen, für deren Beantwortung dieser Ratgeber Hilfe leisten kann. Er liefert Entscheidungs- und Orientierungshilfen für Studierende und ermöglicht fundierte Einblicke in Ausbildungswege und Berufsfelder von Kulturwissenschaftlern.Aus unterschiedlichen Bereichen berichten 21 Autorinnen und Autoren über ihre Arbeit und zeigen so mögliche Ausbildungswege und Berufsfelder für Kulturwissenschaftler. Am Beispiel ihres eigenen Werdeganges beschreiben sie ihre Tätigkeit, gehen auf Voraussetzungen, Perspektiven und Aufstiegschancen ein und erläutern die Bedeutung kulturwissenschaftlicher Kenntnisse im jeweiligen Beruf. Die Herausgeberinnen geben zudem Tipps und Anregungen für Praktika und Stellensuche sowie Hilfen für einen produktiven Umgang mit »berufslosen« Zeiten.

Die Kulturwirtschaft in Deutschland entwickelt sich überdurchschnittlich, nicht zuletzt in der Metropolenregion Berlin-Brandenburg. Die Branche ist innovationsstark, dynamisch und kleinteilig - eng an Standort und Milieu gebunden. Ihre Akteure - junge Gründer, Freiberufler und Selbstständige - handeln nicht nach bekannten betriebswirtschaftlichen Strategien: Die ökonomische Situation ist oft unbefriedigend.

Dieser Band sensibilisiert Studierende als potenzielle Gründer, qualifiziert junge Existenzgründer und eröffnet Lehrenden, Beratern, Coaches und Kapitalgebern Zugänge zu dieser spezifischen Klientel.