Das Fasziensystem der deutschen Kulturpolitik Teil II

 

Eine wesentliche Voraussetzung für eine klare kulturpolitische Neujustierung des gesamten Arbeitsfeldes der Darstellenden Künste ist ein neues Leitbild als gemeinsame Zukunftsvision für die Kulturpolitik auf allen Ebenen. Diese könnte in Workshops zwischen den Politiker:innen, den Verbänden, Stiftungen und den Künstler:innen und Publika so lange verhandelt werden, bis es Ergebnisse zeitigt. Die Kulturpolitische Gesellschaft könnte hier eine federführende Funktion übernehmen.

 

In einem ersten Kodex der Darstellenden Künste könnten die Regeln der Zusammenarbeit und der Förderung von den Stellen der Kulturpolitik und den Künstler:innen und Kulturorganisationen gemeinsam entwickelt und für die nächsten Jahre festgeschrieben werden. Sicherzustellen ist in diesem Kodex auch, dass Ämter-Patronage und Klientelismus abgeschafft werden. Die fehlende Distanz, zum Beispiel zwischen Jury-Mitgliedern und Einreichenden von Projektanträgen, wird vor allem im Rahmen von Entscheidungsvorgängen heute noch zu selten thematisiert. Das sollte zukünftig verstärkt nachgeholt werden, um Nachteile auszugleichen. 

 

 

Viele Künstler:innen der Freien Szene und viele Organisationen der Darstellenden Künste leiden unter einer starken Entkopplung ihrer Tätigkeit von der Kulturpolitik und ihren Verantwortlichen. Sie fühlen sich kaum bemerkt und gesehen und in ihren Ansprüchen nicht adäquat wahrgenommen. Resignation, Missverständnisse und Unklarheiten sind die Folge. Eine gute und ergebnisorientierte Kommunikation kann diese Fehlstellen ausgleichen. Ein geeignetes Instrument könnte etwa ein permanenter Runder Tisch in jedem Bundesland  sein. Weil die Freien Szenen und die öffentlichen Theater oft einen regionalen Bezug haben, ließe sich so schnell eine Verbundenheit zwischen Geldgeber:innen und Künstler:innen herstellen.

 

Ergänzt werden diese Runden Tische in den Bundesländern durch einen zentralen Runden Tisch auf Bundesebene, sodass sich die föderale und die zentrale Ebene der Kulturpolitik und die Künstler:innen unmittelbar begegnen können. Hier würde ich vorschlagen, auf die Teilnahme der Verbände zu verzichten, denn letztlich geht es um einen Austausch mit eigens hierfür ausgelosten künstlerischen Akteur:innen.

 

 

Kulturpolitik darf kein starres und unbewegliches Feld der Politik sein. Es muss sich an der Entwicklungsgeschwindigkeit der kulturellen Felder, der Künste und der Themen der Kulturorganisationen messen lassen. Denn der Vorteil der Künste ist es, dass sie sich oft mit Themenfeldern befassen, die virulent sind oder noch in der Zukunft liegen, in einer verborgenen "Falte" wie Gilles Deleuze (1996) es beschreibt. Die Künste können dabei helfen, neue Denkräume an den Schnittstellen zwischen Gegenwart und Zukunft, zwischen Kunst und Wissenschaft zu eröffnen. Neben einer verbesserten Kommunikation zwischen den finanzierenden und den durchführenden Teilen der Kultur und Künste braucht es eine Möglichkeit, Wissen und Kompetenzen beider Ebenen unter einer Kommunikationshaube sinnvoll miteinander zu verknüpfen. Das Konzept eines Think Tank könnte von den Runden Tischen entwickelt werden, die später auch einen Vorstand und einen Beirat einsetzen. 

 

 

Eine wesentliche Erkenntnis dieser Studie ist, dass nicht ausreichend Mittel zur Verfügung stehen und diese zu ungleichgewichtig an Öffentliche und Freie Darstellende Künste vergeben werden. Hinzu kommt, dass die Mittel für die Darstellenden Künste in mehreren "Ligen" vergeben werden. Diejenigen Gruppen und Künstler:innen erzielen demnach die höchsten Finanzierungstranchen, denen aufgrund ihres Prestiges und Kulturellen Kapitals am meisten zugetraut wird. Hier sollten Mittel gleichgewichtig auch nach Zuverdienst-Möglichkeiten der Gruppen und Künstler:innen vergeben werden. Zudem sollten Anreizsysteme entwickelt werden, die zu einer stärkeren Durchmischung des Prestiges dieser Gruppen führen: Entwicklungsprämien fördern Marketing und Reputation auch neuer Gruppen, so dass diese sichtbarer werden und internationale Gastier-Möglichkeiten und Produktionsslots in den großen Produktionshäusern erzielen können.

 

Hinzu kommen die klassischen Solo-Selbständigen, also hybride Einzelkünstler:innen, die oft auch zwischen den beiden Systemen Freies und Öffentliches Theater wechseln oder parallel in beiden arbeiten. Um überhaupt künstlerisch arbeiten zu können, werden sie aufgrund der hohen Belastungen durch das Schreiben von Anträgen für den Lebensunterhalt in ihrem Engagement unnötig abgebremst. Dadurch werden sie daran gehindert, ausreichend Zeit in die Vorbereitung der künstlerischen Arbeit, den eigenen Lebensunterhalt, den Wissenserwerb und die Qualifikation zu investieren. Mit neuen Lebens-Arbeitszeit-Modellen in den Künstlerischen Bereichen müssen endlich auch Wanderer zwischen den verschiedenen Systemen wie auch alle freien Künstler:innen belohnt werden für ihr Engagement für die Gesellschaft und die Zeit, die sie für künstlerische Arbeiten aufwenden. Anstatt junge begabte Künstler:innen in öffentlichen Theatern frühzeitig "zu verschleissen", sollten gleichgewichtige Anreizsysteme für jene Künstler:innen entwickelt werden, die lieber unabhängig und frei von Hierarchien und Denk-Einschränkungen arbeiten und nur gelegentlich in öffentlichen Theatern interessante Angebote annehmen möchten.

 

In solchen Anreizsystemen sollte die gesamte Lebenszeit als Künstler:in gewürdigt und unterstützt werden, unabhängig vom Arbeitskontext. Hierzu gehört selbstverständlich auch, dass eine Künstler:in, die dieses Modell wählt, finanzielle Unterstützung für Aus- und Fortbildungen sowie Coachings bekommt. Das gilt auch für die Finanzierung der bislang von der Kulturpolitik unbeachteten Zwischenräume ohne Projekte und Engagements und für die Zeiträume nach der aktiven Zeit als Künstler:in, zum Beispiel mit Eintritt in das Rentenalter. Insgesamt ist das bestehende System der Förderung der Darstellenden Künste noch zu wenig divers und inklusiv: Es ist Alters-, Krankheits- und Familien-avers und dient viel eher der Förderung junger, vielarbeitender Künstler:innen, die sich noch komplett ihrer künstlerischen Arbeit verschreiben können und so schnell in die Selbstausbeutung getrieben werden.

 

Beinahe alle Interviewpartner:innen erwähnen, dass Strukturfragen in Förderprogrammen schlicht ausgelassen bzw. nicht berührt werden. Gerade letzter Aspekt wird zum Beispiel auch von ehemaligen Teilnehmer:innen des Doppelpass-Programmes der Kulturstiftung des Bundes auf beiden Seiten eingefordert, wie eine publizierte Evaluation aufzeigt (Perrot, Anne-Catherine 2016: Evaluation. Doppelpass - Fonds für Kooperationen im Theater. Zürich). Ich schlage deshalb vor, eine Strukturförderung zukünftig auf die komplette neue Förderarchitektur anzuwenden und für jedes Projekt zu prüfen. Das bedeutet, dass ohne Strukturprüfung keines der beiden - Projekt oder Organisation - allein gefördert werden darf.

 

Das setzt allerdings auch voraus, dass die Vergabe von Mitteln jeder Form koordiniert werden muss. Um das zu erleichtern, sollte ein Elektronisches Kultur-Förder- und Projekt-Archiv (EKPA) geschaffen werden, in dem alle Förderdaten erfasst und vorgehalten werden, die auch jederzeit von unabhängigen Wissenschaftler:innen ausgewertet werden dürfen. Dieses Archiv veröffentlicht regelmäßig Jahresberichte, indem die kumulierten Fördersummen je Akteur:in aufgezeigt werden. Damit entsteht nicht nur eine Indikatoren-System für eine gerechtere Vergabe, sondern auch ein transparenter Seismograph für neue Strömungen in den Projekten und in der Förderpolitik.

In einem dritten Schritt müsste die zentrale Ebene durch dezentrale Filialen in den Großregionen des Landes ergänzt werden. So ließe sich die Antragsfähigkeit verbessern. Gleichzeitig könnte die Antragsgewährung aus den Verteilungs- und Kämpfen um Deutungshoheit zwischen den Kommunal- und Senats-Verwaltungen, den Landsverbänden der Freien und den Freien Akteur:innen herausgehalten werden. Die bislang vorherrschende, gefühlte Ungerechtigkeit bei der Vergabe von Mitteln, bei der Besetzung von Jurys und von Spitzenpositionen in den Verbänden könnte völlig eliminiert werden.

Das Institut überprüft regelmäßig, ob die Instrumente gleichmäßig genutzt werden, ob sie miteinander koordiniert in den Wirkungskreislauf der Förderpolitik eingreifen und erarbeitet Strategien und Maßnahmen, um im gegenteiligen Fall auch positiv intervenieren zu können. 

 

 

Die Angleichung der Systeme des öffentlichen und des freien Theaters gehört zu den wesentlichen zukünftigen Aufgaben, bevor über weitere Reformschritte nachgedacht werden sollte. Sie sollte finanziell, institutionell und strukturell gestaltet werden. Der erste Aspekt ist fraglos und macht eine Erhöhung der Anteile für die Freien Darstellenden Künste in den Landes- und kommunalen Haushalten erforderlich. Während dessen bestehen vor allem in den anderen beiden Bereichen verschiedene Möglichkeiten. Diese habe ich versucht anhand eines starken Institution Building immer mit aufzuzeigen. Strukturelle Angleichungen sind weitaus diffiziler und bedürften eines größeren Rahmens, wie die Vorschläge aufzeigen. 

 

Institution Building bezieht sich schließlich auf den Aufbau und die Weiterentwicklung von transparenten und verantwortlichen Institutionen, die nach den Prinzipien einer Good Governance organisiert und geleitet werden. Im Falle der Darstellenden Künste geht es um den Aufbau einer starken und nachhaltigen Förderarchitektur, ohne die der Bestand und die Weiterentwicklung der Theater, Produktionshäuser, Festivals, Gruppen und freien Künstler:innen zukünftig nicht mehr gesichert werden könnte.

 

Die Studie hat viele weitere wichtige und neue Ergebnisse und Erkenntnisse gezeitigt - an dieser Stelle ein großer Dank an die zum Teil namentlich genannten, zum Teil anonymisierten Interviewpartner:innen. Es hat sich erwiesen - und ist zu empfehlen, nicht klein zu denken, sondern etwas zu wagen, wenn die Zukunft der Darstellenden Künste nachhaltig und in neuen Strukturen abgesichert werden soll.